carlos santana y jhon mc laughlin LOVE DEVOTION SURRENDER 1973

ENLACE PARA ESCUCHARLO COMPLETO Y LA RESEÑA: http://grooveshark.com/#/album/Love+Devotion+Surrender/1514802
Ambos hombres fueron discípulos de los últimos de la Chinmoy gurú Sri, y el título del álbum hace eco de los conceptos básicos de la filosofía Chinmoy, que se centró en "el amor, devoción y entrega". Sri Chinmoy habló sobre el álbum y el concepto de la entrega:
Por desgracia, en la entrega en occidente se entiende mal. Creemos que si nos entregamos a alguien, entonces él se enseñorean de nosotros .... Pero desde el punto de vista espiritual ... cuando lo finito entra en el infinito, se convierte en el infinito de una vez. Cuando entra en una pequeña gota en el océano, no podemos trazar la caída. Se convierte en el poderoso océano.
Ambos hombres se habían convertido recientemente seguidores de Sri Chinmoy, y por tanto el álbum llegó en un momento de transición Carlos Santana se movía de el blues hacia el jazz y la fusión , experimentando un "despertar espiritual", , mientras que McLaughlin estaba a punto de experimentar la ruptura de la Mahavishnu Orchestra después de haber sido criticado por miembros de la banda.Santana había sido un ventilador de McLaughlin, y McLaughlin había introducido Santana a Sri Chinmoy en 1971, momento en el que el gurú le otorgó el nombre de "Devadip" en él, y los dos había empezado a tocar y grabar juntos en 1972. De acuerdo con su biógrafo Marc Shapiro, Santana tenía mucho que aprender de McLaughlin: "Él se sentaba durante horas, cautivó a los nuevos modos de juego que McLaughlin le estaba enseñando", y su nueva espirituaalidad tuvo su efecto en la música: "la sensación es que nueva fe sensación es que nueva fe de Carlos estuvo presente en cada ranura ".
Tracks:
La primera pista, "A Love Supreme", es una versión de la composición de Coltrane "Reconocimiento" del álbum del 1964 A Love Supreme. Cuenta con McLaughlin y Santana, ambos tocando la guitarra eléctrica, en un comercio extendido, improvisación de los bares. En su mayor parte, Santana se desplaza al canal izquierdo y McLaughlin a la derecha. Al igual que el original, hacia el final un canto de "A Love Supreme" se escucha. (Sólo Armando Peraza es reconocido como un cantante.)
"Naima" es otra composición de Coltrane, interpretada en guitarra acústica. Apareció por primera vez en 1959 en Giant Steps de Coltrane, es una canción suave jugar de una manera directa.
"La Vida Divina" de nuevo regresa al Supremo Coltrane amor, que comienza con la frase cantaron "el amor divino" - ". Cantando bovina", que un escritor conocido como la primera parte de la canción es muy amplia, de alto ritmo de improvisación por Santana, alternando frases rápidas y las notas de largo y sostenido (entre ellos uno que corre a 3:30-04:03). A mitad de la canción y la introdujo por la "vida divina" canto, McLaughlin se hace cargo de todo estalla en staccato de alta velocidad y riffs. Los rendimientos canto, la incorporación de "lo que es tuyo y el mío", y el órgano Larry Young, con la percusión, constituyen el outro.
"Vayamos a la casa del Señor" es una pista larga de 16 minutos sobre la base de la canción gospel tradicional. El acuerdo fue acreditado a Santana y McLaughlin, sino que escribió Bob Palmer en la revista Rolling Stone que el acuerdo lo suficientemente cerca de Lonnie Liston Smith "que se describe como un policía". arreglo de Smith fue grabada en 1970, cuando trabajó con Pharoah Sanders, quien había grabado y trabajado en estrecha colaboración con Coltrane. Después de la declaración de introducción lenta (la parte que se asemeja a disposición de Smith), la mayor parte de la pieza se compone de los solos más de dos acordes acompañados de un bajo loping y percusión latina.la contribución de órganos es a cargo de Larry Young está aquí, Jhon, escribió: "con sus ráfagas de superposición de las triadas, es un momento de genialidad pura, digna de mención por derecho propio, un equivalente musical de un enjambre de surrealista y mariposas de colores ". . La pista se cierra con un retorno a la declaración de apertura lenta.
La última canción, "Meditación", es una "composición para la luz" que McLaughlin había grabado como solista para uso exclusivo de la estación de radio de Nueva York WNEW-FM. McLaughlin toca el piano y la guitarra acústica Santana, en la versión de El amor devoción entrega de la melodía.
En 2001, Bill Laswell, responsable de remixes de los discos de Bob Marley y Miles Davis, mezclo y remezclo extractos de los albumes Illuminations junto a alice Coltrane de Santana y Love Devotion Surrender, en un álbum llamado Luz Divina.
Lista de canciones:
"A Love Supreme" (John Coltrane) - 7:48
"Naima" (John Coltrane) - 3:09
"La Vida Divina" (John McLaughlin) - 9:30
"Vamos a entrar en la casa del Señor" (tradicional) - 15:45
"Meditación" (John McLaughlin) - 2:45

Personal:
Mahavishnu John McLaughlin - guitarra, piano
Carlos Santana - guitarra
Doug Rauch - guitarra baja
Mahalakshmi Eva McLaughlin - piano
Larry Young / Khalid Yasin - piano, el órgano
Mingo Lewis - piano, teclados
Billy Cobham - batería, percusión
Don Alias ​​- batería, percusión
Jan Hammer - batería, percusión
Mike Shrieve - batería, percusión

Armando Peraza - congas, percusiones, voz

ALTURAS DEL MACHU PICHU "LOS JAIVAS" (1981)

Hoy se celebra el centenario del descubrimiento de la cuidadela inca MACHU PICHU (del quechua sureño machu pikchu, "Montaña Vieja") es el nombre contemporáneo que se da a una llaqta (antiguo poblado andino inca) de piedra construida principalmente a mediados del siglo XV en el promontorio rocoso que une las montañas Machu Picchu y Huayna Picchu en la vertiente oriental de los Andes Centrales, al sur del Perú. Su nombre original habría sido Picchu o Picho.1
Según documentos de mediados del siglo XVI,2 Machu Picchu habría sido una de las residencias de descanso de Pachacútec (primer emperador inca, 1438-1470). Sin embargo, algunas de sus mejores construcciones y el evidente carácter ceremonial de la principal vía de acceso a la llaqta demostrarían que ésta fue usada como santuario religioso.3 Ambos usos, el de palacio y el de santuario, no habrían sido incompatibles. Algunos expertos parecen haber descartado, en cambio, un supuesto carácter militar, por lo que los populares calificativos de "fortaleza" o "ciudadela" podrían haber sido superado.
Pablo Neruda poeta y escritor Chileno publica en 1950, aunque compuesto durante la década de los 40 una serie de poemas inspirado en el concepto de union de la cultura latinoamericana que esta ciudad emana.Durante el exilio y persecución de Neruda por la Ley Maldita que lo proscribe en Chile por su afiliación comunista, Neruda comienza a redactar una historia de América en poesía (ver Canto General) donde comienza por las raíces americanas. Estos poemas fueron escritos y publicados en 1944 por lo que Neruda los sumó a este proyecto mayor. Neruda había visitado Machu Picchu en octubre de 1943.
Los poemas están escritos desde una perspectiva americana y obrera donde el poeta llama a nacer al hermano: "Juan Cortapiedras, hijo de Wiracocha, Juan Comefrío, hijo de estrella verde, Juan Piesdescalzos, nieto de la turquesa"
Tras llamarlos como hermanos les pide que en su nueva vida recién otorgada le cuenten sus "viejos dolores enterrados" Asi los textos perciben un aire de renovacion existencial para latinoamerica.
El aspecto musical que nos compete surge cuando el mitico grupo LOS JAIVAS Chilenos originarios de Valparaiso deciden en su septimo album musicalizar estos poemas.
El grupo venia ya desde finales de los 60s esbozando el concepto de MUSICA PROGRESIVA LATINOAMERICANA tomando el concepto del rock progresivo de evocar nuevas tecnologias de instrumento como synthes y guitarras electricas a la musica clasica y ancestral que en este caso seria la antigua musica de america.
Asi el grupo logro una coherente e interesante fusion de la tradicion clasica sinfonica europea con el rock y el folklore de america del sur.
Sin embargo este concepto de revindicacion como a tantos otros artistas les costo el exilio en primer lugar a la Argentina donde pasaron a formar parte del emergente y rico movimiento de rock de nuestro pais asi como luego de 1976 cuando comienza nuestra obscuridad a Europa donde precisamente se gesta este album.
Prometo hacer un desarrollo puntual de la historia del grupo puesto que no tiene desperdicio.
Durante su estancia en Francia, el grupo recibe la visita del productor peruano Daniel Camino, quien les presenta su idea de un soñador proyecto: componer una gran cantata latinoamericana inspirada en los versos de "Alturas de Machu Picchu" de Pablo Neruda, con la participación de grandes voces como Mercedes Sosa y Chabuca Granda, e interpretada y registrada para la televisión en las propias ruinas, con la intervención de Mario Vargas Llosa en la presentación. En la época, el grupo había terminado de preparar las Obras de Violeta Parra y se disponía a iniciar una nueva gira europea para presentarlas.
En un principio, Los Jaivas no toman demasiado en serio la idea. Es realmente la insistencia de Daniel Camino la que inspira al grupo a comenzar a trabajar en el poema, confeccionando ejemplares para cada integrante del grupo, en cada uno de los cuales se van agregando anotaciones de trabajo, que indican la diversidad de las interpretaciones que cada uno da al poema. El impulso definitivo viene del ex integrante Alberto Ledo, quien, antes de marcharse del grupo para llevar a cabo proyectos en solitario, entrega a Los Jaivas un tema instrumental, que Eduardo Parra, por su sonoridad etérea, titula "Del Aire al Aire", como el primer verso del primer canto del libro.
Posteriormente, se definen los trozos del poema que serán cantados y se arman los ritmos y melodías que acompañarán el canto. El complejo trabajo demora nueve meses, al cabo de los cuales se entrega uno de los discos más importantes en la historia de la música latinoamericana.El poema no es reproducido en su totalidad en el disco, por razones de espacio y de estilo. La otra alternativa considerada (componer un instrumental como acompañamiento a la lectura del poema) también es desechada, por lo que se opta por una alternativa intermedia: elegir versos y cantos significativos. De esta forma, cada tema termina escogiendo versos de diferentes "cantos" del poema original:
El título de "Del Aire al Aire" se extrae del Canto I ("Del aire al aire, como una red vacía...")
"La Poderosa Muerte" contiene fragmentos del Canto II ("Si la flor a la flor entrega el alto germen..."), el Canto III ("El ser como el maíz se desgranaba en el inacabable..."), el Canto VI ("Entonces en la escala de la tierra he subido..."), y el Canto VII ("Muertos de un solo abismo, sombras de una hondonada..."), que tienen el tema común de la muerte como hilo conductor, según el grupo. Curiosamente no se extrae ningún verso del Canto IV ("La poderosa muerte me invitó muchas veces..."), que, sin embargo, da título a la canción.
"Amor Americano" contiene versos escogidos del Canto VIII ("Sube conmigo, amor americano...")
"Águila Sideral" contiene versos escogidos del Canto IX ("Águila sideral, viña de bruma...")
Las tres líneas de "Antigua América" pertenecen al Canto X ("Piedra en la piedra, el hombre, dónde estuvo?...")
"Sube a Nacer Conmigo Hermano" y "Final" reproducen casi íntegramente el Canto XII ("Sube a nacer conmigo, hermano...")

El gran mérito de Alturas de MachuPichu, según los críticos, es el lograr reproducir el temple de ánimo del poeta y su mensaje insinuado, a través de los arreglos musicales y de estilo que se proponen en el álbum. Es así como "Águila Sideral" evoca el vuelo de un águila por las altas cumbres de Los Andes a través de los redobles de la batería y la guitarra eléctrica distorsionada por el minimoog; "Amor Americano" es un trote nortino que aprovecha el impecable ritmo del poema; y "Sube a Nacer Conmigo Hermano" presenta, en ritmo de joropo venezolano, un canto lleno de solidaridad y fuerza. La obra de mayor aliento del disco es sin duda "La Poderosa Muerte", que extrae líricas de varios cantos del poema que sin duda fueron cuidadosamente elegidos para transmitir ese aire de renovación existencial, y se compone de ritmos y estilos variados, incorporando extractos de marchas, cuecas y rock progresivo, entre otros, unidos por solos extensos de guitarra eléctrica, piano y minimoog. "Antigua América" es un instrumental netamente progresivo, que permite mostrar a cada uno de Los Jaivas ejecutando su instrumento con precisión y maestría , como ellos mismos afirmarian:"EN PARIS NOSOTROS PASAMOS A SER MAS CONSCIENTES DE LOS ELEMENTOS MUSICALES QUE TENIAMOS,TODA LA INSPIRACIÓN QUE ADQUIRIMOS EN CHILE Y ARGENTINA LA CRISTALIZAMOS ALLA.
Sigue "Final", una coda de "Sube a Nacer Conmigo Hermano" tiene tintes de música clásica. En todo el disco se nota el cuidado por las armonías vocales y la presencia de instrumentos de viento, además de la pureza de las percusiones y los sonidos ambientales es por eso que para muchos es considerada la obra maestra del grupo,por ultimo quisiera citar una anécdota personal: Los Jaivas tocaron en Mendoza una provincia del oeste de la Argentina al pie de Cordillera,donde yo nací y vivo.
Cuando Los jaivas vuelven de Europa para presentar este material aquí se vivian tiempos de dictadura militar y en su actuación del teatro city los milicos se llevaron detenidos a muchos de los espectadores ademas de dañar en la trifurca parte del equipo del grupo.
Yo todavía no nacía, y 20 años después en el marco del AMERICANTO Los jaivas pudieron recrear esta magna obra en el anfiteatro Frank Romero Day para una nueva generacion lo cual demuestra que todo vuelve en el equilibrado ciclo del universo.
los dejo con una nota de la revista expreso imaginario del 81 concerniente a este album y con algo para leer escuchar y bajar.

http://www.taringa.net/posts/links/1572167/Discografia-de-Los-Jaivas---Megapost.html

http://www.losjaivas.net/

La Poderosa Muerte

Los Jaivas

Qué era el hombre?
¿En qué parte de su conversación abierta
entre los almacenes y los silbidos,
en cual de sus movimientos metálicos
vivía lo indestructible,
lo imperecedero,
la vida?

Todos desfallecieron
esperando su muerte,
su corta muerte diaria,
y su quebranto aciago de cada día
era como una copa negra que bebían temblando

Entonces en la escala de la piedra he subido
Entre la atroz maraña de las selvas perdidas
hasta ti, Macchu-Picchu
alta cuidad de piedras escalares
Por fin morada del que lo terrestre
no escondió en las dormidas vestiduras.
En ti, como dos lineas paralelas
la cuna del relámpago y el hombre
se mecían en el viento de espinas.
Madre de piedra, espuma de los cóndores
alto arrecife de la aurora humana.

Cuando la mano color de arcilla
se convirtió en arcilla
y cuando los pequeños párpados
se cerraron
llenos de ásperos muros,
poblados de castillos
y cuando todo el hombre
se enredó en su agujero
quedó la exactitud enarbolada:
El alto sitio de la aurora humana:
La más alta vasija que contuvo el silencio
una vida de piedra después de tantas vidas.

OREGON VIOLIN 1977

He vuelto a recomendarles buena musica en este caso se trata de OREGON exquisita banda de jazz-fusion encuadrada dentro de la world music.

Esta exquisita banda formada entre otros por el guitarrista Ralph Towner y el saxofonista Paul McCandless eximios ambos en su instrumento.

Corria el año 1977 y la banda ya iba por su quinto álbum en este caso a la ya tradicional formacion se suma el violin instrumento que da un toque diferente y que es ejecutado por el violinista polaco Zbigniew Seifert.

el tema q da inicio al album y tambien nombre al album hostenta una clara inclinacion a la improvisación de manera exquisita y equilibrada de tal manera q no aburre sino por el contrario.

La segunda cancion serenade nos muestra un breve pasaje con mas estructura a modo de cancion muy contemplativo.

Los siguientes raven s wood y flagolet nos muestra claros pasajes de atonalismo contemporaneo acercándolos mas a la musica de camara que tan bien compone y ejecuta Ralph,para terminar friend of the family retoma el aire improvisador sin en todos los casos de ser el violin un protagonista juega con los demas instrumentos en una suerte de excelente equilibrio compositivo e improvisador lo cual probaba la ya consolidacion instrumental de la banda a pesar de la inclusión de nuevos instrumentos.

En definitiva otro disco mas que infaltable¡¡¡¡¡¡

Tracks

1. Violin (improvisacion grupal)
2. Serenade (Raph Towner)
3. Raven´s Wood (Ralph Towner)
4. Flagolet (Glen Moore)
5. Friend of the Family (Ralph Towner)

ZBIGNIEW SIFERT violin
PAUL McCANDLESS oboe, bass clarinet
GLEN MOORE contrabajo
COLLIN WALCOTT tabla, percusion, piano en (4)

RALPH TOWNER guitarra de 12-cuerdas y clasica , piano on (3)

LINKS DE INTERES: http://babeblogue.blogspot.com/2007/01/oregon-violin-1977.html

JHON LENNON POETA ELECTRICO MAESTRO SIEMPRE VIVIRAS EN LOS QUE COMO TU DESEAMOS UN MUNDO MEJOR

ME LIMITE A PUBLICAR ESTA SEMBLANZA HECHA POR LA REVI EXPRESO IMAGINARIO EN ENERO DE 1981

YES EN MENDOZA (EN VIVO AUDITORIO ANGEL BUSTELO 4 DE DICIEMBRE DE 2010)

Hacen 3 meses atras mas o menos empezo a correr entre la comunidad progresiva el rumor de que la mitica banda YES vendria a la argentina como ya lo hizo en otras oportunidades. Primero se hablo del recital en Cordoba, luego las fechas del luna park y gran rex en capital.

Lo que jamas hubiesemos imaginado y que sucedio es que YES toco en Mendoza, si bien ya tuvimos el honor de las visitas de PETER GABRIEL, PETER HAMILL y MR. ROBERT FRIPP jamas nos visito una banda entera de esas que nos marcaron como musicos o como melomanos.

Arrancaron con SIBERIAN KATHRU el clasico del legendario CLOSE TO THE EDGE de 1972

Ademas de tocar temas de albums como DRAMA (1979) del cual interpretaron TEMPUS FUGIT .

Pero sobre el tercer tema hubieron problemas tecnicos sin embargo el sr. STEVE HOWE muy lejos de retirarse nos deleito con sus bellisimos pasajes de guitarra acustica realizando un interesante medley que entre improvisaciones incluyo elementos de composiciones tales como NATURAL TIMBRE , o THE CLAP.

Tras solucionarse dicho inconveniente la banda continuo su show entre otros con el mitico AND YOU AND I se vio la destreza de CHRIS SQUIRE en temas como HEART OF THE SUNRISE

Fue interesante escuchar composiciones primigenias como ASTRAL TRAVELLER .

Ademas cabe destacar lo que sin duda genero mucha controversia y es la labor de Oliver Wackeman en sustitucion de su padre Rick, y aun mas la de David Benoit en la del mitico Jon Anderson, sin embargo yo creo que ambos superaron la prueba con eficazia aunque por supuesto el angel de Jon es inigualable la energia de YES se sintio sin ligar a dudas.

En definitiva para quienes amamos la musica de estos auntenticos poetas electricos de la septima decada fue un sueño hecho realidad.

Mi mas ferviente deseo es que nuevas generaciones hayan encontrado esa noche la energia de este grupo y comprendan y descubran que hay otras formas de hacer rock.

GONG SHAMAL (1975)

Siguiendo un poco la carrera de jorge pinchesvky aquí les traigo SHAMAL de GONG un disco visagra en la carrera de la banda ya que supuso la partida de Steve Hillage, quien en este album figura como invitado.
La banda aquí vira mas hacia un jazz-rock cercano al canterbury y al avant-garde dejando un poco de lado la psicodelia y es a mi entender unos de los mestizajes musicales mas precioso que el rock ha dado.
Lo interesante de este album es ademas la inclusión de jorge pinchesvky al violin
Quien llego a las filas del grupo luego de haber hecho con Cyrille Verdeaux(ver post clearlight symphony en este blog) la gira europea de su segundo album de la clearlight forever flowing bubless donde tambien participan músicos de GONG.
El album comienza con Wingful of Eyes una pieza con una intro muy climática apotada en el bajo donde la flauta y el vibrafono van construyendo las situación presentando la melodía q el canto evoca.
La flauta va contestando la linea melódica asi como poco a poco se van sumando una guitarra acustica y el saxo y un impecable trabajo de campanas tubulares.
Luego de un intervalo el tema toma mas fuerza y la guitarra de steve hillage no se hace esperar con uso impecable del wah-wah.
La evocación continua y el solo tambien con una energia tremenda q evoca a la plabra de amor del canto hasta caer en la intro apoyada en un arpegio de guitarra la flauta va creando hermosas atmosferas melódicas junto a la guitarra acustica hasta caer progresivamente en un fade out.
Llega Chandra mas fusion que el anterior usando armonias mas orientales el saxo proyecta un exquisito solo al igual que los sintetizadores, impecables ademas los dibujos ritmicos de la percusiones.
Y en las q justamente cae el tema un pasaje de mucha tensión apoyado en el vibrafono que lleva a otro mas de teclas con sonido fuzz tipicamente canterbury hasta caer en una intro con la que el violin comienza su frenetico solo para presentar el canto.
Luego continuan unos exquisitos cortes ritmicos q dan paso a lineas ambientales de saxo bajo la voz.Continua un arpegio y campanas creados con el arsenal percusivo de pierre moerlhen q van decantando en el mistico bambooji con su intro pentatonica que evoca un coto oriental junto al canto y el cual rítmicamente va doblándose.
Luego entra un excelente riff de guitarra sobre el cual la flauta construye una melodía cuasi andina con un stacatto de violin en quintas todo se interrumpe con el gong y nuevamente caemos en un pasaje pentatonico de vientos mas andino a mi entender y el cual ha generado mucha discusión si es didier malherbe o jean pierre jolicard aerofonista frances enamorado del folklore del altiplano quien tocara con los jaivas.

Cat in Clark's Shoes es la composicion donde el querido PIN se luce la cual da inicio con un intricado riff de bajo al q se el saxo construye un exquisito solo que va doblando con un riff al cual el violin se va sumando junto a otra linea de saxo creando estridentes capas de sonido con muchos ligados sobre esa base.
A continuación una escala da por finalizada este pasaje con unos cortes que dan paso a una tanguistica melodía de saxo acercándose a ciertos elementos del maestro astor.
Y la cual van presentando saxo y violin hasta desencadenar una fusionera parte bien fuerte donde pin tira fruta con todo mas cercana al jazz.-rock latino del tipo santana.
Hasta caer en un pasaje que bien podria denominarse una milonga y dobde pin hace un arrabalero recitado.
Luego llega un crecendo que nos lleva a la fusion nuevamente con un repettitivo riff que cae en un corte hasta el final un autentico paseo por las musicas del mundo.
Llega Mandrake con la intro de placas que va desencadenando el pie para la exquisita flauta que alterna pasajes netamente clásicos con arreglos mas jazzisticos sin perder el aire a tradición europea en un claro ejemplo de influencia avant garde hasta caer en un solo jazzistico de saxo es aquí didier malherbe quien luce sus dotes en ambos instrumentos.
Mi tema preferido del album ya que combina belleza sinfónica jazz y energia de rock.
Liega Shamal con sus aires funk en clara evidencia de la influencia de bandas como wheater report en el personal estilo de gong ,sin embargo el saxo termina de dejar en claro dicha influencia del jazz-rock.
Llegan las voces casi soul pero sin perder el costado cósmico de GONG la letra no deja de ser evocadora y enseguida llega un corte tipicamente canterbury donde entra pin enérgicamente con su violin.
Estamos ante un pasaje de clara tensión q desemboca nuevamente en el groove funky para darle lugar a la melodía doblada de canto y saxo evocando el final del viaje.
Impecables el trabajo de percusiones afinadas entre medio de las lineas melódicas principales sin saturar y dando el fade in final.
En síntesis un historico album que ademas cabe aclarar fue producido nada mas y nada menos que por nick mason de pink floyd y que independientemente de quienes ejecutaron o no los instrumentos emana originalidad y belleza sin perder la experimentación.



LISTA DE TEMAS: TIEMPO TOTAL:40.01
1. Wingful of Eyes 6.20
2. Chandra 7.18
3. Bambooji 5.13
4. Cat in Clark's Shoes 7.43
5. Mandrake 5.04
6. Shamal 9.00
Musicos:
· Mike Howlett: Bajo, Vocales
· Didier 'Bloom' Malherbe: Tenor y Soprano Saxophones, Flautas, Bamboo Flutes, Gongs
· Mireille Bauer: Marimba, Glockenspiel, Xylophone, Percussion, Gongs
· Pierre Moerlen: Drums, Vibraphone, Tubular Bells
· Patrice Lemoine: Pianos, Organos, Mini-Moog Synth
· Steve Hillage: Guitarras (Bambooji y Wingful of Eyes)
· Miquette Giraudy: Vocales (Bambooji)
· Sandy Colley: Vocales (Shamal)
· Jorge Pinchevesky: Violin (Cat in Clark's Shoes, Bambooji,Shamal, Chandra)

TirNaNog homonimo (1971)

Este es el album debut de este duo de irlandeses que siguiendo la lines de incredible string band propusieron un folk celta irlandes plagado de mitología que combianaba a la perfeccion von el espiritu psicodélico del momento.
El duo formado por Leo O'Kelly y Sonny Condell se valia caso similar a la isb de la capacidad como multiinstrumentistas de sus integrantes quienes ademas de los suaves rasgueos de guitarra tocan whistle y lo interesante es la inclusión de tablas en lo percusivo en vez del tradicional bodhran de la musica celta.
El album comienza con Time Is Like A Promise una dulce balada de corte celtico en el arpegio q va construyendo la guitarra con una melodía cadente transmitiendo esa sensación de contemplación agregadondole un dulce solo de harmonica.
Sigue mariner blues una pieza folk mas contemporánea en su clásica que recuerda a los puertos y donde comienzan a sentirse la influencia de ISB en las armonias de voces
Continua un dulce punteo de guitarra sobre el arpegio mostrándonos mucha calidez en los arreglos solo con las voces habiendo un bajo muy fantasmal por detrás de la voz principal al final se escucha una melancolica zanfona doblada mezclando el espiritu psicodélico con los aires celticos.
Continuamos con daisy lady mas en la linea del folk rock de nick drake hablándonos de las virtudes de alguna doncella hippie y al igual sucede con la primer canción es bastante cadente melodicamnente
Sigue Tir Na Nog en gaelico EL REINO DE NO ME ACUERDO donde vivian los TUATHA DE DANAAN seres mágicos e inmortales a los q la canción hace referencia con una composición entre celtica tipica y con ciertos aires a raga en las tablas y el violin lo q nos da a entender como estos grupos fueron pioneros de la world music (lease el articulo de isb en este blog).A continuación la zanfora construye los bajos llevando la métrica casi a un jig sin embargo no es asi seguimos con este folketnico
Bellísimo .
Una canción muy graciosa es Aberdeen Angus en clara alusion a la raza de vacas
Este duo deja aquí expreso aquí su espiritu mas ironico y psicodélico con unas armonias de voces muy buenas.
Sigue looking up y aca si entramos de lleno en que lo llamaría el raga folk bellísimo trabajo de tablas y q se cruza a la vez armónicamente con un blues o un reel escoces realmente una de las mejores piezas acústicas q he escuchado con una guitarra doblada en su solo emulando un sitar un solo exquisito que demuestra ademas la destreza instrumental del duo con una energia tremenda.
Continuamos con boat song una canción mas reposada q nos recuerda a un pescador dormido por el rio. Aquí con unos bellísimos arreglos de cuerdas y piano sobre la base de la guitarra. Un clima muy cálido y bello con arreglos muy bien ubicados es ese tipo de canciones que llaman al descanso y la reflexión.
Our Love Will Not Decay cae mas en el formato folk arpegiado heredado de la cancion medieval doblando la voz con un dulce punteo. Las armonías de voces impecables dan paso a la melodía de guitarra que funciona a modo de riff. Una bella cancion de amor poéticamente europea.
Hey Friend es mas reflexiva y realista y su estructura tiene mas q ver con el folk rock propiamente dicho aunque no pierde su belleza acustica,la canción es un como una evocación un llamado un mensaje claro y profundo con una percusión solo realizada por el pie. En su simpleza me recordo a blackbird.
Dance Of Years es una composición construida en base a dulces arpegios doblados donde solo el duo demuestra su caudal creativo muy melancólica y dulce apelando a las modulaciones armónicas la canción alterna pasajes de emotividad con otros de misterio.
Live A Day la mas folk rock con su intro cuasi country a lo david crosby nos demuestra en su construcción que el duo se pasea sin temor por todos les elementos del folk.
Una canción ascendente en energia ideal para empezar un dia.
Piccadilly como el barrio ingles, es mas melancolica y solitaria quiza recordadndo el exilio irlandes en Inglaterra por cuestiones laborales es evocadora y digna de un trovador callejero las cuerdas al final y los efectos le dan un toque de luz inesperado
Y transmuta esa idea quiza como el destino los transmuto a ellos aquí entramos en un clima de cósmica psicodelia acustica cuasi disonante, exponiendo su costado mas experimental.
Se van retirando con Dante una pieza mas reposada y tradicional y tranquila donde nuevamente me recuerdan a la isb.
Y donde con esos punteos cadentes se van despiendo.
En síntesis una de la mejores mixturas entre el folk rock y el celta no tan conocidos como otros grupos los recomiendo.

CANCIONES:
1. Time Is Like A Promise
2. Mariner Blues
3. Daisy Lady
4. Tir Na Nog
5. Aberdeen Angus
6. Looking Up
7. Boat Song
8. Our Love Will Not Decay
9. Hey Friend
10. Dance Of Years
11. Live A Day
12. Piccadilly
13. Dante

FORMACION:

Leo O'Kelly DulcimeL - GuitarRA, Bajo, Vocales, Violin, Tin Whistle
Sonny Condell Guitarra - Vocales, Moroccan Drum, Tabla, Jew's-Harp, Percussion
Barry Dransfield – Fiddle o zanfona celta
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